Iceberg no 1, 1977

Iceberg n^o1 est un grand tableau à l’huile composé de matière généreuse, très dense, représentant une vaste étendue naturelle. Jean Paul Riopelle a travaillé sa peinture encore et encore jusqu’à ce qu’elle parvienne à suggérer seulement le blanc éblouissant de l’environnement glaciaire. Les fins sillons et les quelques lignes noires plus grossières marquent les limites d’immenses blocs de glace flottants évoquant quelques formes millénaires. Toutefois, cette peinture, l’une des nombreuses œuvres composant la série du même nom, n’est pas un paysage à proprement parler, qui décrirait des vues nordiques spécifiques. Il ne faut pas davantage les considérer comme des abstractions pures. Il s’agit plutôt de quelque chose entre les deux et d’une destination ou un lieu d’arrivée.

Vers la fin des années 1970, Riopelle, reconnu comme un maître de la couleur, se lance dans la production de grands tableaux en noir et blanc. Presqu’aussitôt, ces œuvres sont vues comme des interprétations abstraites d’icebergs que le peintre a vus depuis l’avion de son ami, le D^r Champlain Charest, avec qui il a visité le Grand Nord à plusieurs reprises durant cette décennie.

Charest et Riopelle font connaissance pour la première fois lors d’un voyage à Paris en 1968. Alors qu’il visite le petit atelier de l’artiste, Charest tombe sur un tableau nommé Sainte-Marguerite. « Ça m’avait subjugué, raconte Charest. Je viens de Sainte-Marguerite-du-Lac-Masson. J’ai demandé à Riopelle s’il était à vendre ». Riopelle ne répond pas, mais le soir venu, après plusieurs consommations et une grande conversation – « on ne parlait pas trop de peinture, on parlait des gens, de nos vies », se rappelle Charest – le peintre lui offre de jouer le tableau au « bras de fer ». Charest gagne et, mort de honte, il court acheter un second tableau à crédit le lendemain. L’amitié entre les deux hommes s’est développée des deux côtés de l’Atlantique, jusqu’à ce que Charest incite Riopelle à construire un atelier sur le bord du lac Masson afin de prolonger ses séjours de chasse et de pêche pour peindre.

Ce nouvel environnement rencontré dans les voyages faits par les deux hommes résulte en une œuvre hybride appartenant tout à la fois à l’abstraction et à la figuration. Lorsque les critiques ne comprennent pas cette position, Riopelle insiste :
 

Je n’ai jamais pensé que mes tableaux étaient abstraits. Quand on a qualifié mes tableaux d’abstraits, j’ai ouvert le dictionnaire et j’ai lu : « venir de . . . ». Alors j’ai conclu : je ne suis pas abstrait, car moi je vais vers elle [la nature]. On peut considérer mes tableaux comme abstraits mais la démarche, elle, n’est pas abstraite, au contraire. On a aussi parlé de ma peinture comme une forme d’automatisme. C’est par référence à l’écriture automatique des surréalistes. Ma façon de peindre n’a rien à voir avec l’automatisme. 

On peut être tenté de contester cette dernière affirmation du peintre, qui témoigne de sa volonté, au début des années 1980, de se détacher de l’automatisme et des surréalistes auxquels il a été concrètement associé dans les années cinquante. Mais l’idée que sa peinture va vers la nature, plutôt qu’elle en soit tirée, est d’une grande portée et s’applique à l’ensemble de son œuvre. Avec Iceberg n^o 1 si le résultat est abstrait, la démarche ne l’est pas : Riopelle va à la rencontre des glaciers dans la vie, comme dans son œuvre, et il parvient à en synthétiser l’essence, la lente danse de leur dérive, leur majesté silencieuse, et leur vie subtile : pour Riopelle, rien dans l’univers physique n’est inanimé.