Une harmonie en gris et jaune 1897

Une harmonie en gris et jaune met en vedette la rose, une fleur souvent représentée par Hiester Reid. Plus important encore, le titre de cette œuvre témoigne de la profonde prise de conscience de l’artiste à l’égard du mouvement esthétique et du travail de l’artiste anglo-américain James Abbott McNeill Whistler (1834-1903). Éminent esthète, Whistler a contribué au tonalisme, un mouvement popularisé aux États-Unis entre 1880 et 1915, et dont les adeptes font usage d’une palette restreinte de couleurs sobres, essentiellement sombres, mettant en valeur l’unité picturale et l’harmonie de leurs œuvres. Les artistes américains George Inness (1825-1894) et John La Farge (1835-1910) sont d’autres tonalistes bien connus. Whistler aimait titrer ses tableaux en soulignant ce que Brian Foss appelle « le potentiel poétique de sujets sans prétention », comme en témoigne l’œuvre Arrangement in Grey and Black No.1 (Arrangement en gris et noir n^o1), 1871, également connue sous le titre Portrait of the Artist’s Mother (Portrait de la mère de l’artiste). Les termes « arrangement » et « harmonie » sont couramment utilisés par les musiciens pour désigner ou nommer leurs partitions. Les titres de Whistler mettent en évidence la corrélation artistique entre l’arrangement des notes par un musicien, et le déploiement de la couleur et du ton par le peintre.

Comme Whistler, Hiester Reid recourt à un terme musical dans le titre de son œuvre, laquelle affiche une palette de couleurs limitée composée de contrastes tonaux remarquables. Les taches bleu-gris de l’arrière-plan et les ombres projetées mettent en évidence les tons blanc-jaunâtre et les pétales individuellement définis de chacune des roses; celles-ci sont dépeintes tantôt flétries, tantôt tombantes, tantôt tombées et disposées sur toute la ligne d’horizon de l’œuvre. Bien que Hiester Reid s’inspire des travaux de Whistler, Inness et La Farge, elle maintient l’attention caractéristique qu’elle porte à la vraisemblance. Comme l’écrit un critique à propos de son œuvre présentée lors de l’exposition de 1892 de l’Académie royale des arts du Canada (ARC), « M^me Hiester Reid continue de peindre des roses et des poteries anciennes avec tant de douceur et de puissance; ces tableaux ne peuvent être classés dans la catégorie des natures mortes ordinaires, car ils vont bien au-delà et élèvent le sujet par leur traitement. »

La rose est un sujet de prédilection pour Hiester Reid. Parmi les nombreuses œuvres qu’elle présente aux expositions annuelles de l’ARC de 1885 à 1918, les roses sont référencées dans vingt-sept des titres, dont deux œuvres intitulées Roses and Still Life (Roses et nature morte), 1892 et 1893, A sunset rose (Une rose au coucher du soleil), 1893, Mermet Roses (Roses Mermet), 1894, et Yellow Roses (Roses jaunes), 1898. L’attrait populaire durable pour les images florales de Hiester Reid est souligné dans un article du quotidien montréalais Daily Witness, décrivant la soirée d’ouverture de l’exposition de l’ARC en 1899 à Montréal, et présentant une esquisse intitulée Roses et signée « Mary H. Reid ».