Enfant avec deux adultes 1983

Le bébé peint dans cette peinture est le premier petit-enfant de Mary Pratt, c’est-à-dire le premier enfant de sa fille aînée, Anne. Les deux adultes en périphérie sont Mary elle-même et Anne. Au fil des ans et des entrevues, l’artiste répète souvent que cette œuvre est sa préférée, confiant par exemple à House and Home que « celle que j’aime le plus est le bébé dans le bain. » L’œuvre s’inscrit dans une tradition de portraits d’enfants qui n’est pas sans rappeler The Child’s Bath (La toilette de l’enfant), 1893, de Mary Cassatt (1844-1926), par exemple, ou Les enfants au bassin, 1886, de Berthe Morisot (1841-1895). Toutefois, en comparaison aux précurseurs impressionnistes, l’effet de cette peinture est beaucoup moins décoratif que l’on pourrait croire. Les organes génitaux du bébé, par exemple, sont clairement visibles, ce qui pourrait en indisposer certains, en dépit de l’innocence du sujet.

La composition restitue un moment familial intime, car trois générations de femmes interagissent, un moment privé qui est rendu public par le biais de la peinture. C’est à la fois fortement symbolique et très ordinaire — à la fois familier et merveilleux, comme le sont tant de tableaux de Mary Pratt. Malgré tout, il y a une épine dans cette scène merveilleuse, une pointe acérée d’inconfort : « Le rouge vif et sanglant du bébé et de l’eau du bain semble évoquer le sacrifice d’un nourrisson et ce n’est pas un hasard si cet enfant est de sexe féminin. L’émerveillement et l’effroi participent à sa renaissance rituelle », écrit Robin Laurence à propos de cette œuvre. Un peu comme le repas familial du dimanche est peint par Pratt comme si elle représentait un sacrifice, cette peinture trompeuse peut aisément conduire, comme elle a conduit Laurence, à des voies d’interprétation plus sombres que ce que laisse d’abord paraître la composition. Pratt n’a jamais été surprise par ce genre de lecture. « Les gens vont découvrir que dans chacune de mes peintures il y a quelque chose qui devrait les déranger, quelque chose de bouleversant, dit-elle. C’est pourquoi je les ai peintes. »

Le rendu du sang dans l’eau et la rougeur crue de la peau du bébé sont deux de ces éléments dérangeants, qui fonctionnent de manière presque subliminale. Un symbolisme psychologique plus délibéré est exprimé par la fente sur le bol en porcelaine dans lequel le bébé baigne. Ce déséquilibre structurel confère à l’œuvre un subtil effet discordant. Cette scène domestique, qui semble confortable, est pourtant à risque : le défaut du bol suggère les peurs assombrissant le futur de l’enfant. Cette œuvre nous rappelle que les bébés sont d’une grande fragilité. En effet, pour l’exposition rétrospective Mary Pratt, les commissaires choisissent d’accrocher cette œuvre à côté de Eggs in an Egg Crate (Œufs dans une boîte d’œufs), 1975. La co-commissaire Sarah Fillmore explique : « Nous avons commencé à tout voir comme un autoportrait. Voici ce moment précis. Parfois, c’est douloureux, parfois, c’est glorieux, chacun venant s’ajouter aux moments qui font qu’une vie est pleinement vécue. »